Las esculturas inacabadas de Cat Loray
Monumental y coherente, la obra de Cat Loray es el resultado de un trabajo gestual en el que su energía se expresa, en crudo, en torno a las nociones de gesto, energía y tensión. Un enfoque de creación libre y global, donde no existe la noción de frontera entre las diferentes artes, como ella declara.
Su gesto, repetitivo, tenso y casi compulsivo presupone una gran maestría en la aplicación de los colores, pastel seco o tiza negra, que utiliza para cubrir la superficie del papel con sucesivos pequeños bucles, líneas nerviosas fijadas o largas espirales entrelazadas, que recuerdan la técnica de los pintores divisionistas.
Similar a una cinta, las formas inacabadas adquieren una textura luminosa y densa, casi táctil, que se despliega en el espacio, más allá de los límites materiales de la obra. Con ello, la artista define los vínculos invisibles que existen entre sus dibujos y cerámicas. El trabajo en el taller, solitario, riguroso y en silencio le permite llegar a un estado cercano a la meditación.
Las esculturas de Cat Loray son obras abiertas, por lo que no pueden reducirse a una forma fija y definitiva. El ensamblaje de elementos idénticos también rige las esculturas, que surgen de la acumulación y repetición. Su última instalación Virga, “ es un fenómeno meteorológico que consiste en precipitaciones atrapadas en nubes y que nunca tocan el suelo”. Le pido más detalles.
¿Cuál ha sido tu trayectoria profesional?
Soy originaria de Niza y estudié en Villa Arson. En 1986, el año en que me gradué, me fui a París para reunirme con Caroline Andrieux que estaba abriendo sus primeras «Fábricas Efímeras», proyecto que reunió a artistas y músicos en una fábrica en espera de demolición. El proyecto era apoyar a los artistas ofreciéndoles talleres, estudios de grabación, exposiciones.
Esta aventura continuó en el Hospital Bretonneau, donde éramos más de 200 artistas. Fue por esta época cuando creamos un grupo de artistas, KP5 con Clément Borderie y Patrick Fleury. Durante 17 años hemos desarrollado un gran número de exposiciones, residencias de artistas y un parque de esculturas. También fue una forma de conocer arte en lugares inesperados. Desde entonces he sido un poco nómada, entre mi taller en Auvernia y París. He trabajado con varias galerías, realizo exposiciones y proyectos en Francia y Europa. Actualmente me representa por Galerie Dumonteil en China.
¿Hubo un momento en el que te diste cuenta de que eras artista?
Esta es una pregunta que nunca me he hecho, mi interés por la pintura llegó desde muy joven, luego estudié arte, y mi vida como artista se ha ido construyendo con el tiempo.
Eres pintora pero haces cerámica, ¿cómo combinas las dos prácticas?
La pintura y el dibujo son la base de mi trabajo, siempre me he acercado al espacio del lienzo y el papel como algo abierto, sin límites de marco, tienen la posibilidad de que yo pueda expandirme sin constreñir.
Empecé trabajando con la fragmentación, donde compuse con lienzos de pequeño formato hasta que invadieron espacios expositivos. La transición a la escultura fue obvia, la cerámica me permitió el mismo proceso de trabajo. Construyo mis obras de cerámica de la misma manera que la pintura o el dibujo.
Tu primera escultura fue para una exposición en un parque.
Era una exposición que estábamos organizando en el recinto del Hospital Charles Foix «Jardins secrets«. El comisario de la exposición, Jean-Louis Pradel, sugirió que creara una obra en el parque. Trabajé alrededor de un árbol que amaba mucho, un castaño centenario, dibujé mi primera escultura de este árbol. Elegí la tierra para hacerlo porque me permitió hacer módulos que configuré. Me hizo darme cuenta de que podía afrontar un nuevo espacio, el de la naturaleza. Tuve la suerte de poder experimentar en este parque con muchos proyectos y diferentes materiales, como metal, caucho, resina.
¿Combinas desde entonces arte y naturaleza?
Mi trabajo está ligado a la observación de la naturaleza que nos rodea, y especialmente a los detalles, las fragmentaciones, la forma en que se construyen las cosas, los materiales. Dibujo mucho, tomo notas, grabo los momentos como un repertorio de imágenes. Luego lo transcribo a través de diferentes formas de creación. Entonces, todo lo que hago es evocador y siempre nos devuelve a algo que sabemos, que sentimos.
¿Es difícil jugar con escalas más grandes?
Construyo mis obras según los espacios. Nunca me he sentido cómoda con la noción del marco y la cuestión del trabajo terminado. He configurado un proceso de trabajo muy libre, donde los módulos se pueden organizar según la ubicación.
¿Qué proporciona la arcilla?
La tierra para mí está muy cerca del gesto pictórico, es maleable, se puede hacer y rehacer. Como pintar, la tierra tiene derecho a cometer errores. También corresponde a un proceso de trabajo basado en la acumulación de elementos. Esta práctica me quita tiempo, el tiempo de «hacer» es muy importante para mí, es un momento de reflexión que me permite diseñar poco a poco las obras. Cada paso me acerca un poco más a una meta. La tierra me ofrece una gran libertad, y sobre todo la de no considerar el trabajo terminado.
¿Por qué crees que el arte es importante para la sociedad?
El arte es esencial, es un reflejo de nuestras sociedades, de nuestras culturas. Nos permite abrirnos al mundo, cuestionarnos, ir más allá en nuestras reflexiones. El arte provoca emociones, estimula nuestros sentidos, nos permite escapar. Más que nunca lo estamos viendo hoy con la crisis de salud, el cierre de museos y todos los espacios culturales, provocando una inmensa frustración.
¿Cuál es la primera idea que tuviste de este ultimo proyecto?
La Galería Fernand Léger es un lugar especial con restricciones interesantes, no hay luz natural, hay desniveles, altura. Es un lugar que descubrimos. Entonces trabajé en los 3 espacios muy diferentes que componen la galería. La exposición se concibe como un paseo donde se descubren instalaciones y dibujos. Titulé la exposición Virga, que es un fenómeno meteorológico que consiste en precipitaciones atrapadas en nubes y que nunca tocan el suelo. En la exposición todas las obras presentadas están suspendidas, tocan el suelo pero nunca lo tocan. Pensé en cada obra como una inmersión en el espacio, una experiencia que evoca movimiento, flotación, silencio. Cada pieza se construye mediante el mismo proceso, la acumulación de cientos de elementos moldeados a mano, y luego se ensambla pacientemente para adaptarse al espacio que la ocupa. Los diseños son complementarios.
Podemos ver dibujos de igual modo
Muestro diferentes dibujos que involucran estos gestos repetitivos: la línea, el punto, la forma. Mis dibujos son, en fin, esculturas y mis esculturas son dibujos, porque para mí es un todo inseparable, el enfoque y la forma de hacer las cosas son idénticos.
Aparte de esta exposición, ¿tienes otros planes para 2021?
Estoy trabajando en un pedido para un edificio de oficinas rodeado de pasillos con un atrio de 20 metros de altura en el centro. He rediseñado la escultura «Ola» que se desarrollará en el centro del espacio a más de 16 metros de longitud, teniendo en cuenta todos los espacios de circulación.
