Los retratados de Atanda Adebayo Quadri “estallan de color y esperanza”

Atanda

El carbón vegetal no escaseaba en la casa de infancia de Atanda Adebayo Quadri, que creció en Badagry, una ciudad costera de Nigeria conocida como Badlands, al ser un punto geográfico clave en la trata transatlántica de esclavos.  

Es allí donde la madre del artista mantenía a la familia a base de la venta del carbón, la primera materia prima que permitió las manos curiosas e inocentes del artista explorar. “Poco a poco me interesé y comencé a usarlos para dibujar poéticamente. Hasta el día de hoy” me explica Atanda.

En “el día de hoy”, el ilustrador de Lagos retrata con elegancia a protagonistas empoderados, que se mantienen inquebrantables a pesar de su sufrimiento. Las figuras, que “estallan de color y esperanza,” reciben una capa de expresionismo abstracto por medio de una pintura fluida y reividicativa. Forman parte de la reflexión contenida en el lienzo, una revisión a la sociedad nigeriana contemporánea, con énfasis en la identidad negra y la opresión sistemática, pasando por el condicionamiento humano en el medio ambiente.

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Desde pequeño estuviste enfocado en el arte ¿Qué te dió la pintura para renunciar a probar otras cosas?

Mi viaje hacia el arte comenzó con mi fascinación por la ropa y la estética. Desde que era pequeño, siempre he estado obsesionado con ver videos de moda y música en la pequeña televisión Nulec que teníamos, que se ha convertido en una gran inspiración para mis pinturas. y realización que me permite reconocer el pasado y proyectarme hacia el futuro.

Tu infancia se desarrolló en Badagry, ¿por qué esta ciudad costera es etiquetada como Badlands?

Está etiquetado como “Badlands” debido a su narración antigua, su distancia y su escasa facilitación por parte del gobierno nigeriano. La ciudad costera de badagry, se encuentra en las afueras de Lagos, Nigeria. Una encrucijada geográfica importante en la trata transatlántica de esclavos.

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¿Por qué en tu obra tiene una gran importancia el uso del carbón vegetal?

Mi primer acercamiento a la creación artística tuvo lugar a una edad temprana. Mi  madre solía llevar a casa trozos de carbón vegetal que vendía en Lagos (Nigeria) para mantener a la familia. Poco a poco me interesé y comencé a usarlos para dibujar poéticamente. Hasta el día de hoy, utilizo carbón para pintar la piel de mis figuras, enfatizando la textura y la belleza de la piel negra. El medio explora metafóricamente el tema del hogar. Eleva la obra de arte tanto en mi historia personal como en algo tan común, pero tan personalmente importante, como una barra de carbón.

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Quieres reflejar el  condicionamiento humano en el medio ambiente, ¿lo has experimentado en tu región?

¡Y es! He experimentado tantas condiciones humanas en mi entorno como el dolor, el amor, el crecimiento, la pobreza, la felicidad, etc. Todas estas son emociones inspiradoras y visibles en mis retratos y el uso del color.

Las figuras que pueblan mis obras representan a hombres y mujeres inquebrantables que estallan de color y esperanza, a pesar del sufrimiento que lleva incrustado en su vida. Representadas en poses elegantes, las expresiones faciales encarnan una vulnerabilidad empoderada o el resultado de encontrar la felicidad en medio de la lucha.

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Infundes en la figuración una capa de expresionismo abstracto utilizando una técnica autoaclamada etiquetada: “el aliento / alma del artista”. ¿en qué cosiste este concepto?

El símbolo más poderoso y personal de resiliencia que empleo en mis pinturas es el motivo del “alma del artista”: la repetición de un patrón abstracto creado al soplar acuarela sobre el lienzo con una pajita. El simple acto de pintar usando mi respiración se convierte en una poderosa metáfora de la vida que me permite infundir mi arte con partes de mi alma. Reaccionando e invirtiendo el enunciado “No puedo respirar”, interpreto artísticamente el acto de respirar como el último símbolo tanto de la vida como del arte.

¿Por qué fusionas a los sujetos enfrentados?

Ha sido una experiencia increíble hasta ahora. y estoy agradecido por eso. El público y los coleccionistas de la feria de arte de la séptima edición de Nimbus fueron acogedores y atentos a mi historia. Espero mi primera exposición individual del 19 de junio al 3 de julio con la galería Oneroom, Londres; comisariada por Samuele Visentin