Entrevista a Julia Elsas: «El arte es vida»
Julia Elsas nació en Birminghan, Alabama y actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Su arte abarca desde el grabado, la escultura, la cerámica hasta las performances.
La línea de productos cerámicos funcionales y lúdicos de Julia se lanzó en 2016. Cada pieza de cerámica es única y está hecha a mano en su propio estudio en Brooklyn, Nueva York.
Siempre está buscando maneras de expandir su arte hacia nuevos horizontes, por eso podemos ver varias colaboraciones que ha hecho a lo largo de su trayectoria, como por ejemplo, la colaboración con el músico Kenny Wollesen, llamada SONIC MUD. En ella reúne esculturas de cerámica y músicos establecidos para actuaciones musicales de una noche.
Además de dedicarse en cuerpo y alma en sus obras, también es profesora y enseña grabado en la Universidad Estatal de Montclair y en la Lower East Side Print Shop.
¿Cómo terminaste siendo artista? ¿Era lo que querías desde pequeña?
Ser artista no fue una decisión que tomé. Es quién y qué soy.
Tengo la suerte de haber crecido en una familia que aprecia el arte y la cultura, por lo que el arte siempre ha sido parte de mi vida.
¿A qué retos te enfrentas al crear una obra?
Trabajar con arcilla es un reto en paciencia y perseverancia. Tienes que aceptar que en cada etapa, de principio a fin, tu trabajo puede agrietarse, romperse o necesitar ser reconstruido.
He pasado los últimos años centrándome en el crecimiento de un negocio de cerámica. Tengo una tienda en línea (juliaelsas.com), y también vendo mi trabajo en las tiendas a través de los EE.UU. Estoy constantemente desafiándome a mí misma para mantener las cosas frescas y nuevas y permanecer auténtica para mí como artista.
Además de ganchos de pared, jarrones y varios objetos de arte, hago instrumentos de cerámica y toco con músicos bajo el nombre de SONIC MUD (IG: @sonicmud). En 2020 creé una pieza llamada Chime Choir, que fue una instalación de 1250 campanas de porcelana en Cooler Gallery (IG: @waycoolergallery) en Brooklyn. Esta instalación surgió de mi exploración continua del potencial sonoro de la escultura. Considero que mis esculturas se realizan plenamente cuando se reproducen, y los espectadores fueron invitados al espacio uno a la vez, para tocar las campanas con mazos de mano de fieltro.
Un gran desafío en la creación de Chime Choir fue encontrar la mejor manera de colgar e instalar las campanas. Terminé trabajando con algunas personas diferentes (diseñadores y músicos) para ayudarme a llegar a un sistema de montaje muy limpio que era visualmente transparente y musicalmente funcional.
Eres artista pero también profesora, ¿por qué decidiste dar ese paso y empezar con la enseñanza? ¿Qué te aporta?
Comencé a enseñar en 2009 poco después de recibir mi MFA en Studio Art de UC Davis. Enseño grabado, cerámica y artes del libro. La enseñanza corre en la sangre de mi familia. Mi abuela, mi madre y mi hermana son todas maestras, y ser maestra es algo natural para mí.
Enseñar me mantiene firme y comprometida. Me obliga a ser articulada sobre lo que veo y lo que estoy buscando en los procesos técnicos y en el desarrollo de ideas. Una de mis partes favoritas de la enseñanza es intercambiar ideas con los estudiantes. Me veo más como una guía alentadora que como una instructora didáctica.
¿Qué medios/materiales utilizas para tus obras?
Como mencioné anteriormente, trabajo principalmente con cerámica, grabado, instalación y performance. Veo cualquier material o proceso con el que estoy trabajando como un medio para explorar una idea.
¿Cómo te inspiras para crear las formas de tus obras?
La inspiración viene a mí en muchas formas. Crecí en la parte sureste de los EE.UU., y pasamos los veranos conduciendo visitando «folk» o artistas autodidactas como Howard Finster, Mose Toliver y lugares como Ave Maria Grotto. Yo tenía unos 7 años cuando visitamos por primera vez Finster y ver cómo cada aspecto de su vida estaba dedicado al arte y hacer las cosas me impresionó. Casi todas las superficies dentro y fuera de la casa de Finster estaban cubiertas de pintura, escultura o ensamblaje.
Cuando estaba en la escuela secundaria mi mamá me dio una copia de Amiri Baraka «La caza no es la cabeza en la pared» (publicado en 1964 por Le Roi Jones), y afectó profundamente mis ideas sobre el arte y la vida y cómo, para muchas/la mayoría de las culturas no occidentales, los dos están completamente entrelazados e inseparables.
Me encanta ir al Museo Met y explorar sus antiguas cerámicas griegas, africanas, asiáticas y sudamericanas. También me inspiro deambulando por Nueva York, o en cualquier lugar que esté viajando y observando pequeños detalles de diseño en la arquitectura y la vida cotidiana. Recientemente vi la exposición de Sophie Taeuber-Arp en el MoMA en la ciudad de Nueva York, estoy muy inspirada por su trabajo y la amplitud de sus actividades artísticas y su creatividad.
¿Qué aporta el arte a tu vida?
El arte es vida. No puedo imaginar una vida sin arte.
¿Cómo definirías tu arte?
Trabajo de muchas maneras diferentes (hago productos para venta, esculturas, grabados, instrumentos, instalaciones, etc.) así que no tengo una definición concisa de mi arte.
Estoy interesada en hacer cosas que se destacan como objetos visuales, pero también tienen algún tipo de uso o función.
Los productos cerámicos que hago (ganchos de pared, collares y jarrones) o bien comenzaron como pequeños elementos escultóricos en instalaciones más grandes, o fueron creados como objetos artísticos funcionales que no podía encontrar en otros lugares. Me encanta ver imágenes de mis esculturas más pequeñas en uso e incorporadas en hogares y entornos de vida. A veces la gente usa los ganchos como objetos utilitarios para colgar una chaqueta, algunas joyas, auriculares o una máscara. También me encanta verlos instalados como grupos de 5, 7 o 10 (o más) en una pared para hacer una declaración visual.
Considero que mis esculturas sónicas son plenamente realizadas solo cuando se están usando. Cuando se instaló Chime Choir, lo creé para ser un instrumento comunitario que abarcaba a la gente que podía entrar y salir y tocar libremente, simultáneamente solos y juntos durante un período de tiempo. Mi objetivo es crear un entorno en el que todos puedan sentirse abrazados y conmovidos por la música de Chime Choir.
