Tales & Tellers por Miu Miu: el poder de contar y habitar lo femenino
Miu Miu irrumpe en Nueva York con una propuesta poderosa y transformadora: Tales & Tellers, un proyecto ideado por Miuccia Prada que fusiona moda, arte y cine en una experiencia multisensorial única. Concebido por la provocadora artista Goshka Macuga y articulado por la reconocida curadora Elvira Dyangani Ose, este innovador evento convierte el icónico Terminal Warehouse en un escenario vivo donde lo femenino se reinventa a través de 36 performances impactantes, instalaciones inmersivas y proyecciones audaces. Inspirado en los célebres Miu Miu Women’s Tales y las intervenciones artísticas de sus desfiles recientes, Tales & Tellers desafía las convenciones narrativas para dar voz, cuerpo y fuerza a nuevas formas de contar.
La propuesta no se limita a ser una muestra de obras, sino que funciona como un organismo en movimiento, una coreografía expandida donde las historias se despliegan en múltiples niveles. Cada escena es un fragmento vivo, una reinterpretación libre de personajes femeninos previamente creados en las películas de la serie comisionada desde 2011. Actrices sobre el escenario reviven y reimaginan estas figuras en un formato que combina lo teatral, lo performativo y lo cinematográfico, generando nuevas lecturas sobre las identidades que encarnan.
El espacio elegido para esta nueva entrega no es neutral. El histórico almacén de Manhattan, con su carga industrial y su arquitectura cruda, se convierte en una extensión conceptual del proyecto. Aquí, el interior se contamina con elementos del exterior urbano: farolas, señales, fragmentos de calle. Todo está dispuesto para invocar la atmósfera inquietante de una ciudad nocturna, donde la frontera entre lo real y lo simbólico se difumina. Esta atmósfera transforma el lugar en un escenario onírico, propicio para el desconcierto y la introspección.
Si en su versión parisina el proyecto se articuló como una plaza pública, en Nueva York adopta el pulso errático de las calles, con sus ritmos discontinuos y sus encuentros inesperados. La instalación, diseñada por el estudio OMA / AMO, refuerza esta sensación de tránsito constante. No hay una dirección única ni una manera correcta de recorrerla. Quien entra a este universo debe dejarse llevar por el azar, encontrándose con escenas breves, intensas, a veces enigmáticas, que aparecen y desaparecen con la lógica impredecible de los sueños.
Uno de los grandes aciertos de esta edición es su capacidad para poner en circulación múltiples capas de significado sin caer en la saturación. El diálogo entre disciplinas es fluido, no forzado. Las imágenes proyectadas dialogan con los cuerpos en escena, las acciones en vivo se ven amplificadas por el contexto escenográfico, y los ecos de los relatos anteriores (las películas originales) se perciben sin necesidad de conocerlas en profundidad. Cada pieza puede leerse por sí sola, pero también como parte de un entramado mayor que interroga los modos en que las mujeres han sido representadas, narradas o silenciadas.
El trabajo curatorial de Dyangani Ose se percibe en esa articulación precisa de tiempos y espacios. No hay jerarquías entre lo visual, lo corporal o lo sonoro. Todo convive, se entrelaza y muta. Y en esa transformación constante aparece uno de los ejes centrales del proyecto: la exploración de lo femenino como construcción abierta, en evolución, atravesada por tensiones, deseos y contradicciones. No se trata de definir qué es ser mujer, sino de mostrar cuántas formas posibles puede adoptar esa experiencia.
Más allá de las acciones escénicas, el público pudo acceder también a la totalidad de los cortometrajes realizados para la serie, proyectados como parte de la experiencia. Esta retrospectiva, lejos de ser un simple archivo, funcionó como un contrapeso que amplía el marco de comprensión del proyecto. Ver las obras originales junto a sus nuevas encarnaciones permitió apreciar cómo el tiempo, el espacio y la interpretación transforman el significado de una imagen.
El resultado es una propuesta ambiciosa que evita la trampa de lo espectacular vacío. No se trata de sorprender por la forma, sino de generar preguntas, incomodidades, desplazamientos. Las piezas no buscan convencer ni concluir, sino abrir grietas, invitar a mirar de otro modo. Esa voluntad de no cerrar el relato, de mantenerlo en permanente construcción, es quizás lo más poderoso del proyecto.
Lo que se vivió en Terminal Warehouse fue más que una intervención artística: fue una experiencia colectiva que puso en juego los sentidos y las ideas. Una invitación a repensar lo visible, a cuestionar los relatos heredados y a reconocer en el arte un espacio donde la imaginación y la crítica pueden convivir. En tiempos donde todo parece acelerado y simplificado, Tales & Tellers apostó por lo contrario: la pausa, la complejidad y la multiplicidad de miradas.
