FlockOmania. La Joyería escultórica de Zoe Robertson
Siempre que se asiste a una exposición o a visitar una galería tenemos en mente una norma que no cuestionamos “Mirar, pero no tocar”. ¿Y qué pasaría si en esas ocasiones lo importante fuese la sensación cinestésica y no meramente la estética visual? En 2015, la galardonada artista de joyería, Zoe Robertson, se atrevió a romper los límites que se sugieren a los visitantes asociados con los espacios de galería.
Originalmente concebida como una exposición individual, flockOmania se ha transformado en un proyecto multidisciplinario que traspasó los límites de la superficie y la materialidad, comprometiendo la forma escultórica con el sonido, la luz, la interpretación, el cine, la danza y la fotografía. Un entorno convertido en un campo de juego para la experimentación y para dar rienda suelta a la libertad de la audiencia.
En colecciones anteriores, el sentido visual de Zoe Robertson era más dominante a la hora de tomar decisiones de diseño. Después dio el salto de las dos a las tres dimensiones, sirviéndose del lenguaje visual combinado con un proceso de pensamiento cognitivo y sin perder de vista la fisicalidad de los objetos y la respuesta sensorial que evocan los materiales en este vocabulario.
Me emocioné cuando surgió la oportunidad de colaborar y comenzó la noción de crear una serie de objetos portátiles que exploren el cuerpo, el objeto y el espacio. Las decisiones de razonamiento, pensamiento y diseño han sido guiadas en particular por mis observaciones y un diálogo sostenido con los artistas de la danza ha sido el catalizador de mi invención.
FlockOmania creció más allá del concepto original, de una exposición tradicional de objetos portátiles a ser una instalación completa, con intervenciones de performance móviles y talleres de laboratorio de performance, impartidos por el gran número de artistas involucrados en el proyecto.
Con la presencia diversa de artistas se creó ambiente dinámico donde la obra de Zoe colgaba libremente en el espacio. Un nexo de unión entre danza contemporánea, la improvisación de movimiento y la performance. Los bailarines, la Dra. Natalie Garrett Brown y Amy Voris, improvisaron e invitaron al público a interactuar con las joyas de tamaño teatral, para explorar así la relación existente entre la joyería, el cuerpo y el rendimiento.
Sorprendentemente para Zoe, la audiencia interactuó y experimentó con los objetos vistiendo, intercambiando las obras y, lo que es más interesante, se convirtieron en cocreadores dentro del espacio al construir y reposicionar los objetos en formas escultóricas.
Me sorprendió lo liberadora que encontré la experiencia, especialmente la naturaleza inesperada de su actuación duradera en la que me cautivó el nivel de movimiento en el espacio de la calma al caos a la calma. La adición de luz, sonido y película creó una atmósfera dinámica y las joyas que creé para ellos se movieron de sus posiciones originales alrededor del espacio, desde adentro, hacia afuera, y viceversa.
Los objetos individuales, suspendidos en pórticos de acero, recordaron a máquinas de ejercicio. De hecho, los arneses de tela roja suspendieron una variedad de formas, evocando alusiones a gimnasia y equipos de terapia de rehabilitación. La luz coloreada y las imágenes en movimiento proyectadas, doblaron de manera efectiva la creación y la reestructuración del trabajo a través de la danza, en un todo en constante evolución y energía.
Las luces rosadas proyectadas sugerían sensualidad, mientras que las superficies ofrecían mensajes contradictorios sobre el tacto, sugiriendo suavidad y calidez. La tensión entre los indicios físicos y perceptuales hacían referencia a la esclavitud y la restricción, que la artista contrarresta con una sensación de exploración y juego, creando un matiz sutil pero siniestro de control.
El entorno experiencial, flock0mania 1, le despertó a Robertson dudas sobre la categorización de los objetos teatrales de gran tamaño: ¿son joyas, accesorios, juguetes, esculturas o elementos coreográficos que proponen oportunidades para nuevos compromisos corporales? ¿Cómo se interrumpe el proceso de autor por estos objetos rebeldes?
Debido al éxito, volvió a intentar involucrar a los visitantes y provocar así discusiones y debates en una amplia gama de niveles en relación con los límites entre el diseño de joyas y la danza con FlockOmania2. Las nuevas piezas fueron una evolución las observaciones de Zoe, una progresión de lo sucedido con anterioridad.
Además de las piezas, meticulosamente elaboradas con materiales domésticos e industriales cotidianos, esta segunda exhibición incluyó los dibujos a partir de los cuales elaboró su trabajo.
De nuevo, lejos de la típica imagen de galería de joyas, para la exhibición construyó un espacio industrial estéril, sin restricciones, que ofreció posibilidades ilimitadas. Zoe reconoce que, aunque por un lado las dimensiones han hecho que su imaginación se desboque, por otro, la escala de la empresa y el corto período de tiempo han sido a veces relativamente desconcertante. Semejante libertad le ha llevado a un cuestionamiento constante y una evaluación continua para informar las decisiones.
El análisis de los aspectos exitosos de la serie original le permitió crear una subserie complementaria y, al hacerlo, se interesó particularmente por el objeto animado, que es activados por un movimiento corporal “he comenzado a definir esto como realizar joyas”, explicaba la joyera.
Paralelamente, siguió observando la relación entre los objetos y el cuerpo, pero esta vez con el foco puesto en las extensiones corporales, las experiencias sensoriales, el movimiento y el co-desgaste, convergiendo con los bailarines en un solo objeto.
Por otro lado, la nueva elección de material le permitió la creación de una subserie, en la que una estética lineal ofrece una estructura espacial en lugar de una forma sólida. De esta manera, los bailarines pudieron penetrar en el núcleo del objeto de una manera diferente a la anterior.
