Esculturas anti kitchs. Entrevista a Harald Fernagu

Harald Fernagu es un artista contemporáneo francés de posguerra, nacido en 1970. Su trabajo ha pasado por varias exposiciones en galerías y museos clave, como Jousse Entreprise, Contemporary Art y Galerie Polaris.

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¿Cómo empezó todo?

Comencé mis estudios en 1990 para convertirme en diseñador de interiores. En 1993 fui a escuchar una conferencia sobre arte contemporáneo y mi vida cambió por completo. 

¿En qué sentido?

Me fascinó la amplia variedad de herramientas del lenguaje que ofrece el arte contemporáneo. La relación con los demás, el espacio y las formas que tanto me gustaban de la arquitectura de interiores, siguieron siendo los hilos conductores de mi práctica artística. 

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Según he leído trabajaste durante 20 años en una comunidad de Emaús...

Sí, son lugares de vida y de trabajo donde se acoge a personas en gran dificultad y sin hogar, fue un hito en mi vida durante el cual pude observar que las palabras no siempre son suficientes para comunicar. La expresión también se construye en las actitudes, comportamientos, gestos y calidad de objetos o contextos a los que se puede hacer referencia en una discusión. La expresión entre dos personas utiliza, a menudo sin saberlo, gran parte del léxico del arte contemporáneo. 

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Tengo entendido que tratas de integrar las incertidumbres de la crisis y aplicar las consecuencias a su proceso creativo ¿Cuál dirías que es la principal enmienda de tu arte?

Al crear formas, no busco romper con el mundo, trato obstinadamente, unirme a él.

¿Y de dónde proviene la inspiración? 

Encuentro un objeto en un lugar donde no debería estar y trato de entender por qué está allí. Esto es lo que pasó con mi serie My colonies, donde cuestiono nuestra cultura postcolonial. Fue una pequeña estatuilla africana cubierta con materiales de sacrificio que encontré en los juguetes de la infancia de mi padre lo que provocó este trabajo. ¿Cómo puede un niño occidental llegar a jugar “playmobil” con un objeto de culto del continente africano? 

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Las estatuillas y máscaras de culto falsas se han convertido en los principales activos del comercio turístico africano y con ello todavía se contribuye con ello a la percepción “salvaje” del continente africano. 

¿Cuál es tu intención con las piezas?

En este trabajo confío mucho en la etnografía y etnología de nuestros dos continentes y reúno dos estéticas antagónicas al principio, las de las cosas occidentales y las de África.

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Harald “coloniza” estos objetos con la ayuda de conchas recogidas meticulosamente en las costas de las playas de todo el mundo. Trata obstinadamente de desarticular el pensamiento generalizado. El simulacro de culto da paso al gesto artístico, generando una nueva realidad. 

Otro de sus proyectos es la serie A medida que avanzamos ¿En qué te inspiraste para tus minicasas? 

Hasta finales de la década de 1990, en Emaús, todavía había muchas viviendas autoconstruidas. Siempre me ha fascinado la idea de hacer un hogar con los objetos que encuentras, toda la historia de la cabaña de la infancia. 

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¿Cuál es su verdadero significado?

Es un gesto político. La vivienda es un área dominada por el poder político: en las limitaciones técnicas pero también en su estética. Todos los grandes arquitectos son grandes negociadores. El individuo, en cambio, si no es rico, no tiene acceso a la invención de su hábitat, habitará siempre, sin elección, en el pensamiento de otro. 

Esta idea habrá cobrado importancia con el covid…

Frente a la epidemia, todo el mundo está confinado. El equilibrio entre el exterior salvador y el interior constreñido, que los habitantes pobremente alojados habían podido construir, se destruye. Este frágil contexto por el que atravesamos pone de relieve la idea de acceso al pensamiento de su hábitat para todos. Así, mientras buscaba signos de “rebelión” arquitectónica en la realidad de nuestras ciudades, comencé la serie “A medida que avanzamos”.

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¿Cuáles son tus materias primas?

La respuesta suele coquetear con las utopías. En El dorado, la utopía un fracaso para afrontar la realidad. Durante las grandes conquistas de la antigua Roma, los legionarios viajaron distancias muy largas. Era imposible llevar armas pesadas. Por tanto, los romanos crearon las «Bricole», máquinas de guerra inventadas in situ con las limitaciones de los materiales encontrados. En francés “Bricole” dio la palabra «Bricolage» (hágalo usted mismo). Para hacer realidad mis utopías, utilizo mucho este proceso de trabajo. Hacer de mi incompetencia un activo y optimizar mi entorno. 

Me obligué a no gastar más de 20 euros por escultura, sabiendo que cero sería el objetivo ideal.

Desde luego es importante tender a la creación zero waste…

Me encanta la diversidad de propuestas artísticas alrededor del mundo pero, incluso cuando encuentro una obra muy bonita, si está diseñada íntegramente con materiales contaminantes, no puedo evitar pensar que nosotros, los artistas, también tenemos un deber con el ambiente. Lo imposible puede ser inducido por una realidad física pero también ética. 

Entonces, ¿Con qué dirías que trabajas?

Con carencia e improbabilidad, aumenta enormemente el abanico de posibilidades y abre más el alcance de la libertad de expresión.

Mi abanico de herramientas se compone, por tanto, de cuerpos, mío, tuyo, volúmenes, imágenes documentales, objetos

¿Cuáles son tus referentes?

Algún diseñador de la Inglaterra de los 90 como Ron Arad, con un diseño punk y crudo, me influyó mucho, al igual que las últimas esculturas de Rodin, esas donde deja huellas de la moldura visible. 

¿Y cuál es tu ingrediente secreto?

La imperfección, es un signo de presencia humana. Mirar un objeto imperfecto es como mirarnos en un espejo y aceptar nuestros defectos. Es una ilusión que refleja la imagen que nos gustaría ser, una aspiración. El kitsch es el mismo intento, pero sin saber dónde acabar y quita la cuestión del objeto en el final. El Kitsch a menudo va de la mano con la vanidad. Así que no busco kitsch o perfección, sino la huella de la mano que construye torpemente.

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¿Hay alguno más?

La imaginación, es una herramienta de adaptación. La recuperación, sin embargo, ofrece una economía optimista de viabilidad. Con el tiempo aprendí a repeler las limitaciones innecesarias. Para “A medida que avanzamos”, por ejemplo, trato de integrar las incertidumbres de la crisis que atravesamos y aplicar sus posibles consecuencias a mi metodología

Para el año que viene prepara dos exposiciones, una en la Première Biennale de Jinan Chine (Shandong) y una en solitario, en el centre d’art ELEVEN STEEN – Mars. Bruxelles.